“Etat de la recherche en histoire de mode”, IHTP-CNRS, 17 juin 2016 à 14h30

Pour clore cette année de séminaire, nous vous proposons comme chaque année maintenant, de nous retrouver pour découvrir les recherches menées actuellement en histoire de mode par des étudiants en Master, en doctorat,  les chercheurs et conservateurs de musée.

“Etat de la recherche en histoire de mode”

Nous aurons le plaisir d’écouter:

Philippe Thiébaut, Conservateur du patrimoine, conseiller scientifique INHA

Présentation du Séminaire Mode masculine de l’INHA, octobre-décembre 2016

Jean-Pierre Lethuillier, MCF, Université de Rennes

Présentation du GIS Apparences corps et société

Paula Alaszkiewicz, Doctorante, Commissaire d’exposition, www.paulaalaszkiewicz.com @alaszkiewicz, “The Labyrinth of Fashion Display

In Fashion at the Edge: Spectacle, Modernity, and Deathliness (2003), Caroline Evans appropriates Walter Benjamin’s notion of history, time, and space as a labyrinth. She writes, ‘The metaphor of history as a labyrinth allows the juxtaposition of historical images with contemporary ones; as the labyrinth doubles back on itself what is most modern is revealed as also having a relation to what is most old.’ Images from the past thus disclose patterns and preoccupations identifiable in the present. A previously unused term, ‘the labyrinth of fashion display’ refers to the sites of fashion display – both cultural and commercial – that constitute a specific visual and spatial experience and participate in a recycling of historically developed codes and tensions. It is composed of three institutions of cultural modernity that double as current or former sites of fashion display: the museum, the department store, and the international exhibition. Spatially, the labyrinth is at once architectural, ideological, and institutional. Recent museum exhibitions of fashion and museum-like displays in department stores signal the contemporary side of the labyrinth circling back on itself. Relying on structuralist theories of historic inquiry, museology, and architectural and visual analysis, this paper will further define the labyrinth while critically exploring its inherent juxtapositions. The defining tensions of museum fashion exhibitions – namely those between the commercial and the curatorial – will be identified in early spaces of modern fashion display. Ultimately, this will highlight fashion’s alliance with architectural and cultural space while providing a case study for alternative methods of non-chronological historical analysis within fashion studies.

Jérémie Brucker, Doctorant Université d’Angers, “Le vêtement professionnel en France des années 1880 à nos jours”

Loin d’être entièrement et librement choisi, le vêtement porté est souvent un compromis entre la mode, les goûts, la practicité et les stratégies de placement et de déplacement que l’on souhaite adopter dans la société. Cependant, dans le monde du travail, les lois et les règlements semblent faire le vêtement. Les contraintes y sont multiples et nombreuses : la part de liberté laissée au travailleur est souvent minime face à la réglementation et aux normes imposées. Les années 1880 sont en ce sens significatives puisque l’industrialisation a atteint une forme d’apogée et le vêtement de travail est de plus en plus identifiable en tant que tel, à l’image de celui des ouvriers, alors que des législations sociales se mettent en place. À travers l’habit de travail se dessinent les contours d’une histoire sociale originale et pleine de sens, révélatrice d’une période qui a connu de profondes mutations économiques et sociales. 

Dans ces conditions, le vêtement professionnel revêt de nombreuses fonctions et symboliques porteuses de significations pour celui ou celle qui le porte. Par souci de protection, par pudeur ou en parure, le vêtement cache, montre ou met en valeur le corps dans le but de servir l’entreprise à l’extérieur comme dans son organisation interne. Pour autant, sur plus d’un siècle, le vêtement professionnel a souvent évolué, pour être simplifié ou normalisé, voire supprimé. Il appartient à la vie quotidienne des individus, de façon plus ou moins imposante. L’habit de travail imprègne aussi les esprits et circule dans les imaginaires, de manière réelle ou fantasmée. Les images de marque et les représentations sociales s’inspirent d’un vêtement de travail dont la matière textile et la couleur ne constituent qu’une partie des angles d’étude du sujet. 

Le sujet porte à la fois sur les aspects matériels du vêtement, ses conditions de conception, de production, de commercialisation et d’utilisation mais aussi sur les possibilités qu’il offre pour saisir la société française depuis les années 1880 à travers un objet peu étudié sur la période. Il renvoie au champ de recherches actuelles sur les questions d’identités et de genre, de normes et d’apparences. La question du vêtement de travail est ainsi plurielle et dépasse les seules considérations matérielles tout comme celles du monde du travail, pour toucher la mode en général et le mode de vie des individus, en étant au cœur des transformations sociales qui ont animé le siècle depuis les années 1880.

Myriam Fouillet, Doctorante, Paris III, “La création des costumes dans le cinéma français entre 1945 et 1959”

Au carrefour entre histoire du cinéma et histoire de la mode, ces recherches ont pour objectif de retracer le processus de conception des tenues apparaissant dans les films de la « qualité française ». Par l’examen d’archives de natures diverses, il s’agit de déterminer toutes les étapes successives de la chaîne opératoire menant à la création d’un ensemble de costumes, depuis la naissance d’une idée jusqu’à l’utilisation d’objets matériels lors du tournage. Participant de l’esthétique cinématographique, le costume doit s’accorder aux autres paramètres de l’image, il devient alors essentiel d’étudier les relations des professionnels du costume (maquettistes, couturiers exécutants, loueurs, coiffeurs, maquilleurs ou encore habilleuses) avec le réalisateur, les acteurs et l’équipe technique.

– Marie Schiele, Doctorante, Université Paris-Sorbonne: “Esthétique et imaginaire du drapé : quelques éléments de réflexion”

Omniprésent dans la peinture ou la sculpture, indice d’une maniera all’antica, le drapé constitue pourtant un point aveugle dans notre appréciation de l’œuvre d’art. Certes, conformément à son statut d’ornement, le drapé n’a pas vocation première à constituer le sujet de l’œuvre, mais il oriente notre regard et focalise notre attention sur ses éléments saillants que sont les visages et les gestes représentés. Accessoire en marge de la représentation, le drapé occupe une place tout aussi insignifiante dans l’ordre de la réflexion, où sa fonction se réduit souvent à une évocation symbolique. Notre thèse sur l’esthétique et l’imaginaire du drapé prend à rebours une telle affirmation et vise à déplacer la question de la valeur, pour se concentrer avant tout sur l’objet dans sa matérialité. Notre communication visera tout d’abord à préciser la définition du drapé, en analysant la complexité d’un motif oscillant entre deux ordres, celui du textile et celui de la représentation, avant d’évoquer l’un des poncifs de la question, le drapé comme survivance de l’Antiquité. 

Marguerite Flourens, Master, UVSQ, La médiatisaiton d’Alexander McQueen

Le rapport que McQueen (1969 – 2010) tissa avec les médias fut-il un levier de son entreprise créative et commerciale ? A l’aide d’un parti pris esthétique violent, McQueen recherche l’impact médiatique pour amorcer la construction de ce qui sera appelé sa « légende ». « Roi du scandale », « renégat », « prince des ténèbres », « enfant terrible» sont autant de  métaphores que les journalistes lui ont attribué et qui continuent de nourrir les articles nécrologiques. McQueen était un fin stratège, qui su mettre en scène les tabous: le scandale causé par l’évocation ouverte de la sexualité, la décadence, la violence, la folie. Il incarne les excès de son temps, et son œuvre concentre les angoisses et les questionnements qui rythment sa période d’activité. Ses défilés sont de véritables manifestes et jouissent d’une large couverture médiatique dont McQueen maîtrise les images. Parallèlement, les journalistes s’emparent du sujet et définissent leur propre vision de l’homme et de son œuvre. En effet ces années ont vu naître un phénomène alors nouveau : celui des créateurs superstars. La personnalité des stylistes interroge au moins autant les critiques que leurs créations : les créateurs contribuent à façonner l’image de leur marque jusqu’aux moindres détails. Formé chez les grands tailleurs anglais de Savile Row, McQueen est bien plus qu’un technicien hors pair : il a su s’inscrire durablement dans le paysage de la mode et séduire le public jusqu’à voir ses collections exposées dans de grands musées.

-Jilène Chua, Master, “Monsieur: Essai d’une histoire des élégances multiraciales, 1920-1924″:

L’une des rares revues de la mode masculines pendant les années 20, Monsieur- Revue des élégances, des bonnes manières & de tout ce qui intéresse Monsieur (1920-1924) offre une perspective de l’histoire du mot « élégant ».  Les publicités et les articles sur l’élégance dans Monsieur montrent comment ce mot est utilisé et entendu par des dessinateurs, des entreprises, des écrivains et des intellectuels français. Parmi ces images et ces réflexions, on peut voir un corps élégant sportif et svelte lié à la modernité occidentale et à l’ethnicité, notamment dans le contexte colonial.

Anne-Sophie Douillet, “Le corset de sport”:

« La mode est le reflet d’un temps politique, social, artistique. Elle est donc liée à toutes formes du goût de l’époque dans laquelle elle s’insère ». Cette citation de Paco Rabanne s’applique parfaitement au corset, vêtement du dessous, porté au plus près de l’intimité de la femme. Il est un reflet de l’émancipation de la femme, de l’évolution de sa place dans la société à la Belle Epoque. Cette période de l’histoire située entre deux conflits, si courte et pourtant si riche, a donné naissance à un monde nouveau. La Belle Epoque est bien au tournant du siècle, le regard porté vers l’avenir et un pied dans le passé. Cette volonté d’émancipation des femmes, ce désir d’une liberté nouvelle passe notamment par le droit de vote mais aussi par le sport. C’est à cette période que les sports féminins apparaissent. Bien sûr, des femmes faisaient du sport bien avant cette date, notamment la monte en amazone, puis plus tard du canotage, du croquet ou encore de la marche, mais cela n’était réservé qu’à une élite, à l’aristocratie. Le sport féminin se démocratise vraiment avec la bicyclette. Le corset, accessoire indispensable de toutes les femmes, les accompagne dans ce changement et s’adapte en fonction des activités pratiqués. Il sera intéressant d’étudier le contexte historique et social de cette période, puis nous analyserons en détail le corset et plus particulièrement le corset de sport.

Isabelle Carraza: Master II, UVSQ: “L’Influence du XVIIIe dans la mode contemporaine : inspirations, mythes et représentations” 

Depuis le temps du Second Empire, le XVIIIe siècle est un siècle-fétiche de plusieurs créateurs de mode. Qu’il soit une collection inspirée de la Révolution Française, comme celle qui a rendu célèbre John Galliano, du folklore provençal, comme chez Christian Lacroix, ou de la puissance des femmes comme une Madame de Pompadour vue par Vivienne Westwood, le siècle est souvent ré-imaginé et recréé au gré de ces stylistes. Pour cela, il y a quelques questions que nous voulons éclairer: Pourquoi et comment le siècle est-il autant revisité dans la mode contemporaine? Quelles sont les influences majeures inspirées de cette période de l’Histoire? Comment est ce qu’elles influencent notre regard par rapport à notre passé?

-Ariane Fenetaux, maître de conférences en littérature anglaise sur l’histoire des poches: résumé à venir

-Géraldine Blanche, Doctorante IEP Paris, sur propriété intellectuelle dans la mode: résumé à venir

Inscription obligatoire: seminairehistoiredemode@gmail.com

Merci!

Affiche : http://atelierindependant.com


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