“Exposed: A History of Lingerie”, Museum at FIT, New York, 3 June — 15 November 2014

Corset (stay), silk, silk ribbon, whalebone, c. 1770, possibly Europe (NY: Museum at FIT)

Corset (stay), silk, silk ribbon, whalebone, ca. 1770, possibly Europe
(New York: Museum at FIT)

Extrait:

The Museum at FIT presents Exposed: A History of Lingerie, an exhibition that traces developments in intimate apparel from the 18th century to the present. Exposed features over 70 of the most delicate, luxurious, and immaculately crafted objects from the museum’s permanent collection, many of which have never before been shown. Each piece illustrates key developments in fashion, such as changes in silhouette, shifting ideals of propriety, and advancements in technology.

The concept of underwear-as-outerwear is most commonly associated with the 1980s, but the look of lingerie has long served as inspiration for fashion garments. Exposed opens with several pairings of objects that underscore that connection. For example, a 1950s nylon nightgown, made by the upscale lingerie label Iris, is shown alongside an evening gown by Claire McCardell, also a 1950s garment, created in a similar fabric and silhouette. McCardell was one of the first designers to use nylon—a material typically marketed for lingerie—for eveningwear. A 2007 evening dress by Peter Soronen features a corset bodice, the construction of which is highlighted with bright blue topstitching. It is flanked by two 19th-century corsets, one made from bright red silk, the other from peacock blue silk.

The exhibition then continues chronologically. The earliest object on view is a sleeved corset (then called stays), circa 1770, made from sky-blue silk with decorative ivory ribbons that crisscross over the stomach. Stiffened with whalebone, 18th-century corsets straightened the back and enhanced the breasts by pushing them up and together. While they were essential to maintaining both a woman’s figure and her modesty, corsets also held an erotic allure.

Women’s undergarments were generally modest in the first half of the 19th century. This is exemplified by a dressing gown from circa 1840, made from white cotton. Although the dressing gown was simply designed and meant to be worn within the privacy of a woman’s boudoir, its full sleeves and smocked, pointed waistline mimic fashionable dress styles of the era.

La suite sur http://enfilade18thc.com/2014/05/28/exhibition-exposed-a-history-of-lingerie/

Voir la grande guerre. Un autre récit, Annette Becker, Armand Colin

Postface de Pierre Bergougnioux
Label de la Mission du Centenaire de la Grande Guerre

http://www.armand-colin.com/livre/507426/voir-la-grande-guerre-un-autre-recit.php

Ce livre est un manifeste d’historienne. Pour dire la guerre mondiale, souvent totale, il prouve que d’autres ressources que celles de l’écrit sont nécessaires, d’où ce récit placé à hauteur d’œil, dans le regard des regards des années de guerre. Qu’ont perçu les combattants et les civils du monde entier des fronts militaires et des fronts domestiques ? Qu’ont fait passer de la tragédie globale et des tragédies singulières, dessinateurs, cinéastes, peintres, photographes, artisans d’objets de guerre ? Nous saisissons le conflit à travers les images, celles qui furent publiées ou exposées comme celles qui demeurèrent dans la sphère privée. Trois chapitres construits autour de la photographie et du cinéma, des caricatures et du camouflage militaire – paradoxalement né en partie autour des avant-gardes – réactivent souffrances, consentements, désespoirs, refus, courages.
De nombreux contemporains pensaient que la douleur serait infinie ; le quatrième chapitre, « Deuils » permet de suivre le prolongement des images du temps de guerre dans le siècle : les pratiques commémoratives ont transformé les paysages et les espaces mentaux, jusqu’aux artistes les plus résolument contemporains.
Un écrivain, Pierre Bergounioux, conclut le récit.

Annette Becker, Professeure à l’université Paris-Ouest Nanterre, membre de l’Institut universitaire de France, appartient au Conseil scientifique de la Mission du centenaire 14-18 ; elle est vice-présidente du Centre international de recherche de l’Historial de la Grande Guerre.

Prix: 26 €
En librairie : le 8 octobre 2014
EAN : 9782200287573
Pages : 256
Contacts presse
Elodie Royez : 01 40 46 49 60 | eroyez@dunod.com
Elisabeth Erhardy : 01 40 46 35 12 | eerhardy@dunod.com

 

Séminaire, “Histoire du spectacle vivant XIX°-XX° siècles”, BNF

Date :Le lundi de 17h30 à 19h

 Lieu :Société d’Histoire du Théâtre, Bibliothèque nationale de France,  71 rue de Richelieu, 75002 Paris

Rendez-vous devant le 71

Ce séminaire s’intéresse à toutes les formes de spectacle vivant : théâtre, opéra, danse, concert etc.

 Responsables du séminaire :

Jean-Claude Yon, professeur à l’UVSQ. Directeur du Centre d’histoire culturelle des sociétés contemporaines (CHCSC)

Graça Dos Santos, maître de conférences à l’Université de Paris Ouest Nanterre La Défense.

 Programme :

 17 novembre 2014

Patrick Berthier, « Écrire l’histoire “réelle” du théâtre : quelques questions de méthode »

Ayant à écrire, pour la série de volumes sur l’histoire du théâtre du Moyen Âge à nos jours dirigée par Charles Mazouer chez Champion, le volume consacré à la période 1791-1828, l’auteur s’est trouvé confronté à plusieurs difficultés quantitatives et méthodologiques :

- le nombre élevé des pièces créées ou reprises obligeait à un tri : comment l’opérer ?

- on en reste encore actuellement à une méconnaissance de la quasi-totalité du répertoire de la période, les ouvrages existants se limitant à la partie politique du répertoire et/ou à quelques titres, toujours les mêmes : comment combler le fossé ?

- difficulté de privilégier (ou non) un angle d’attaque : les œuvres ? les auteurs ? les interprètes ? les institutions ? les salles ? les genres ?

Les choix finalement retenus l’ont été au nom d’une nécessité fédératrice : raconter l’inconnu, et restituer la vie effective du spectacle en une époque longtemps négligée par les histoires du théâtre.

 8 décembre 2014

Célia Bussi, «Redécouverte de Carlo Goldoni en France : vers de nouvelles traductions et mises en scène»

En 1993, on a célébré partout en Europe le bicentenaire de la mort de Carlo Goldoni, auteur dramatique vénitien dont l’intégralité de l’œuvre reste encore trop peu connue. Les comédies de Goldoni restaient associées, dans la plupart des pays d’Europe, aux stéréotypes de la Commedia dell’ arte, alors que l’auteur s’attacha justement, tout au long de sa vie, à réformer le théâtre italien. Saisir l’occasion du bicentenaire de la mort de Goldoni s’imposait donc et sa célébration devait surtout servir à un véritable travail de redécouverte et de réhabilitation. La France plus encore que l’Italie a montré une grande volonté de modifier la perception qu’ont les Français de cet auteur, et cela grâce à l’action de spécialistes très motivés qui ont apporté leur contribution dans les domaines de la recherche, de la traduction et de la mise en scène.

 5 janvier 2015

Karine Boulanger, « Editer une mise en scène : Parsifal à l’Opéra de Paris (1914) »

Début janvier 1914, à l’expiration des droits d’auteur détenus par la famille Wagner, l’Opéra de Paris réussit le pari de monter Parsifal avant tous ses concurrents directs. Cette production représentait le couronnement du privilège très décrié d’André Messager et de Leimistin Broussan et fut préparée avec un soin exceptionnel. La Bibliothèque-Musée de l’Opéra de Paris conserve la partition chant-piano du Régisseur général chargé de la mise en scène. Ce document éclaire non seulement la façon dont fut réglé le spectacle, mais aussi sa conception à l’aide de documents annexes rassemblés par le régisseur. Il nous renseigne sur le rôle du régisseur-metteur en scène dans le premier quart du XXe siècle, sur sa liberté et aussi sur le poids de la tradition scénique. Il présente aussi la particularité de conserver la mise en scène de l’Opéra de Paris, mais aussi celle du théâtre de Bayreuth, considérée comme une référence. L’édition de la mise en scène du Parsifal parisien présente des enjeux spécifiques : comment publier un document de travail, remanié à plusieurs reprises et non mis au propre par son auteur ? Quel parti tirer de la documentation réunie par le régisseur, comment « traquer » ses sources ?

 9 février 2015

Didier Plassard, « Sur quelques aspects du Regietheater »

Né entre les deux guerres mondiales, baptisé dans les années 1960, le Regietheater, dans les pays de langue allemande, désigne un régime particulier de la mise en scène : s’il est comparable, dans ses grandes lignes, au teatro di regia italien et au théâtre de mise en scène à la française, il ne s’inscrit pas moins dans des cadres socio-économiques particuliers qui déterminent pour une large part ses grandes orientations esthétiques. Ce sont ces cadres et ces orientations qui seront exposées au cours de cette séance, ainsi que leur remise en cause depuis le début du 21e siècle.

 9 mars 2015

Bernard Faivre, « Le peuple qui rit »

Le « comique populaire » a rarement bonne presse et les critiques (théâtraux ou cinématographiques) tordent souvent le nez devant des productions jugées « faciles » et souvent « vulgaires ». Et pourtant, depuis les farces médiévales, le spectacle comique a souvent permis une connivence théâtrale entre les comédiens et leur public populaire, où pouvaient se dire, malgré les interdits et les censures, les vérités de l’heure et les espoirs du lendemain. Et il est particulièrement intéressant de noter que, depuis deux cents ans, ce furent souvent les formes para-théâtrales (marionnettes, parades, clowns, et, plus près de nous, monologues et one man shows) qui permirent au peuple de rire ; rire de lui-même, mais aussi de ceux qui voudraient l’empêcher de rire.

 13 avril 2015

Roxane Martin, «Pourquoi la « mise en scène » ? Enquête sur l’émergence d’une notion dans le paysage théâtral français du XIXe siècle»

La notion de « mise en scène », pierre angulaire des réflexions sur l’art du théâtre depuis plus d’un siècle, semble aujourd’hui confronter les chercheurs à un problème épistémologique de taille. Alors que la revue Critique, en novembre 2011, proposait un numéro consacré à la question : « La mise en scène : mort ou mutation ? », la revue Critical Stages s’apprête à publier un dossier intitulé : « Où en est la notion de mise en scène aujourd’hui ? » (N° 11, Patrice Pavis dir.). Le constat semble donc unanime de considérer l’inopérance d’une notion, dont la définition repose sur l’unification optique et la maîtrise du sens du spectacle confiées au metteur en scène, pour circonscrire les caractéristiques des formes performatives de l’extrême contemporain. C’est là, sans doute, où le détour par l’histoire peut offrir de riches perspectives d’analyse. Partant du constat que la mise en scène était déjà convoquée comme art dans les discours produits sous la Révolution française, nous exposerons les résultats d’une enquête qui, menée sur un large XIXe siècle et s’appuyant sur des sources à la fois littéraires, politiques et juridiques, permettra de comprendre pourquoi la mise en scène s’est imposée comme une notion centrale pour réfléchir la production et la réception des œuvres scéniques du Romantisme à la Belle Époque.

 11 mai 2015

Sophie-Anne Leterrier, « Chanson et contestation sous la monarchie constitutionnelle, à propos de Pierre Jean de Béranger »

Béranger a été un chansonnier célébrissime du début du XIXe siècle et l’un des ténors de l’opposition libérale, non pas à la Chambre des députés, et pas seulement dans les journaux ou dans les livres, mais dans les rues, dans les ateliers, dans les cafés, dans les théâtres, dans tous ces lieux où se formait l’opinion. Notre communication se propose de présenter l’auteur et de faire entendre certaines chansons, pour revenir sur la vocation contestataire de la “chanson nationale” et ses tribunes, en insistant particulièrement sur les théâtres. Car au théâtre, on chante sur scène, mais aussi au parterre. Les théâtres deviennent parfois de véritables arènes, où s’affrontent les partis, dans les moments de crise politique en particulier. Les chansons de Béranger seront un moyen d’approcher la culture politique du début du XIXe siècle à travers les pratiques sociales. Grâce au concours de Judith Fages, chanteuse, on s’interrogera aussi sur le rôle de l’interprète, sur la force propre aux paroles vivantes.

 8 juin 2015

Pierre France, « De la domestique à l’ambassadrice : l’évolution du métier d’ouvreuse »

A partir d’entretiens, d’une démarche d’observation participante et d’un travail sur archives, cette intervention vise à montrer comment une position professionnelle en marge permet d’observer sous un autre angle des évolutions connues et moins connues du concert, des salles, et du public : le contenu du travail des ouvreuses change graduellement en fonction de l’évolution des salles de spectacles (disparition graduelle du pourboire, introduction du placement numéroté, étiquette de certains spectacles) ; leur profil social évolue, elles qui étaient des domestiques du concert au XIXe siècle, plutôt âgées, deviennent aujourd’hui de jeunes hôtesses d’accueil, et même parfois des hôtes ; et elles sont enfin, à travers les interactions avec le public dont on a pu garder trace, une source d’étude précieuse du comportement des publics.

 

“Diana Vreeland : L’œil doit vagabonder”, ARTE, 28 septembre 2014, 22h40

Dimanche 28 septembre à 22h40 (82 min)

ARTE

Présentation:

“Le bikini est la chose la plus importante depuis l’invention de la bombe atomique”. Cette déclaration tonitruante suffit à comprendre ce qui valut à Diana Vreeland (1903-1989) son titre d’impératrice de la mode. Pendant près de cinquante ans, cette femme d’exception a dicté les tendances et côtoyé les plus grands couturiers de son époque. D’abord journaliste au Harper’s Bazaar, elle entre dans le club très fermé du monde de la mode en tant que rédactrice en chef du Vogue américain. Diana Vreeland contribue au triomphe de créateurs de génie comme Yves Saint Laurent ou Valentino, et lance la carrière de Diane von Fürstenberg, Oscar de la Renta ou encore Manolo Blahnik. C’est aussi à cette grande dame visionnaire que l’on doit la découverte de célèbres top models, comme Lauren Bacall ou les icônes sixties Twiggy et Marisa Berenson. Grâce à un sens inné du style, la chef de file de la scène new-yorkaise a su imposer son extravagance, ses idées novatrices et son goût pour l’expérimentation dans le domaine de la mode, mais aussi celui de l’art et de la culture. Au-delà du simple portrait, ce documentaire traverse le XXe siècle, de la Belle Époque aux Swinging Sixties, et évoque par la musique, les illustrations et les images d’archives, l’esprit du temps si cher à la papesse du chic.

La suite sur: http://www.arte.tv/guide/fr/045147-000/diana-vreeland-l-oeil-doit-vagabonder

Les corpus images et sons, Ateliers INA – Matrice 2014-2015

 

 de 14h30 à 17h30

 83-85 rue de Patay

75013 Paris

 Thème de l’année : le traitement de l’image

Responsables scientifiques :

 Denis Maréchal, Chargé de mission Diffusion scientifique, Ina,

Denis Peschanski, Directeur de recherche au CNRS, CHS (Paris 1 et CNRS), Matrice

Dans le cadre du programme franco-américain « Memory in Global Context » et de l’équipement d’excellence Matrice, les organismes parties prenantes et les deux responsables du séminaire parisien proposent cette année huit séances sur l’image et son traitement entre Visual Studies, Museum Studies et Memory Studies. Nous continuons ainsi notre réflexion sur l’articulation entre mémoire individuelle et mémoire collective dans une perspective transdisciplinaire.

 Lundi 13 octobre 2014 : Pierre Sorlin, historien

« Image et histoire »

Lundi 17 novembre 2014 : Raphaël Fournier-S’niehotta, informaticien, CNAM et Université Paris-Nord

Le numérique à l’aide des visiteurs de musées (programme de recherche transdisciplinaire AMMICO) 

Discutante : Pascale Goestschel, historienne, Université Paris 1 (CHS)

 Lundi 15 décembre 2014 : Mathias Blanc, sociologue, CNRS (Lille, IRHIS)

Visualités et analyse d’images : méthodes transdisciplinaires et nouveaux outils (Visuall-tek)

Discutant : Jean Carrive, INA (chef de service Recherche)

 Lundi 12 janvier 2015 : Jacqueline Eidelman, sociologue, ministère de la Culture (responsable du pôle Connaissance des Publics)

Visual Studies et Museum Studies : un état de l’art

Discutante : Brigitte Sion, Performances Studies, Columbia University (NY)

Lundi 9 février 2015 : Sylvie Lindeperg, historienne, université Paris 1

Le tournage des films de la Résistance

Discutant : Denis Maréchal, historien, INA

Lundi 16 mars 2015 : Marie-Luce Viaud, chef de projet recherche et développement à l’INA

Les chantiers de fouille dans les corpus

Discutante : Katharina Niemeyer, analyste des médias, IFP Paris 2

Lundi 13 avril 2015 : Katia Dauchot (neuroscientifique), équipex Matrice, Stanislas Hommet (infocom), Denis Peschanski (historien)

Mieux comprendre les comportements des visiteurs de mémoriaux grâce aux nouvelles technologies (premières expérimentations)

Discutant : Pascal Ory, historien, Université Paris 1 (CHS)

Lundi 18 mai 2015 : Jean-Louis Bertin-Maghit, historien, Université Paris 3

Les documentaires années noires

Discutant : Henry Rousso, historien (IHTP)

 Lundi 15 juin 2015 : Bernard Stiegler, philosophe, Institut de Recherches Interdisciplinaires (IRI)

Le numérique au service de l’image

Discutant : Alain Maruani, physicien et mathématicien, Ecole des Ponts

 

avec le soutien de  ANR07-396.gif http://www.supagro.fr/filagro/sites/files/image/12/Logo%20investissement%20d'Avenir%20copie.png GlobalThought4c logo_Paris1_72dpi_300x200pixels he´sam logo

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