A lire, Christophe Rioux : « L’art permet d’injecter du Botox aux maisons de luxe », Le Monde, 23.10.2014

Inauguration de la Fondation Louis Vuitton, le 10 octobre, à Paris.

Extrait:

Vendredi 24 octobre et les deux jours qui suivront, les amateurs d’art contemporain pourront visiter gratuitement la Fondation Louis Vuitton, conçue par l’architecte américano-canadien Frank Gehry, près du Jardin d’acclimatation, à Paris. A compter de lundi 27 octobre, le prix d’entrée (14 euros) permettra de découvrir à la fois les collections de la Fondation et le jardin. Christophe Rioux, directeur du pôle luxe et industries créatives de l’Institut supérieur du commerce de Paris et professeur à Sciences Po Paris, analyse les relations de plus en plus fusionnelles entre le monde du luxe et celui de l’art.

Luxe et art ont en commun d’incarner l’excès et d’afficher des prix parfois déconnectés du marché…

Les mécanismes des prix du luxe ont convergé avec ceux de l’art. C’est l’effet « Veblen » [du nom d’un économiste et sociologue d’origine norvégienne qui a vécu aux Etats-Unis de 1857 à 1929] : plus le prix d’un bien est élevé, plus il incite à l’achat. Cette « élasticité » des prix est aussi appelée le « snob-effect » ; il faut acheter ce qui est cher car c’est un marqueur social.

Doit-on parler d’une légitimation réciproque ?

Le luxe a besoin de l’art car il est dans une équation complexe. La dimension patrimoniale ou artisanale liée à une valorisation des métiers d’art ne suffit plus. La création artistique insuffle dans le monde du luxe du nouveau, de la transgression. Car la pire terreur d’une marque est d’être taxée de ringardise ; pour elle, c’est ce qui peut être le plus infamant.

L’art permet, comme du Botox, d’injecter instantanément un rajeunissement aux maisons de luxe ; il apporte un supplément d’âme. Mais un sac à main reste un sac à main. C’est toujours le regard posé sur un objet qui lui donne sa valeur. Depuis plusieurs années, le luxe tangible – où le produit vaut pour lui-même – est moins essentiel. Le consommateur demande, en plus, une expérience. Il a besoin de se sentir esthète, par exemple s’il rentre dans une boutique. Comme le dit Arthur Danto[philosophe et critique d’art américain, né en 1924 et mort en 2013], il est question de la « transfiguration du banal » et donc d’hybridation – comme avec le sac à main Louis Vuitton conçu par l’artiste japonais Takashi Murakami – entre l’œuvre, l’objet de luxe et l’objet industrialisé.

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A noter, prochaine, exposition: “Mannequins d’artiste, Mannequins fétiches”, Musée Bourdelle, 1er avril – 12 juillet 2015

Alan Beeton (1880–1942) Composing, c. 1929  Huile sur toile Beeton Family’s Collection © Art & Antiques Appraisals 2013

© Art & Antiques Appraisals 2013

De petite taille ou grandeur nature, articulé, le mannequin d’artiste sert dès la Renaissance à progresser dans l’art de la composition, dans le rendu des drapés et des proportions anatomiques. Plus qu’un accessoire, la poupée-mannequin est un substitut du modèle vivant – tellement plus docile. Dès la fin du 18ème siècle, Paris s’impose comme le centre de fabrication de mannequins reproduisant fidèlement le corps humain. Les artistes exploitent ce simulacre dont« l’inquiétante étrangeté » croise celle des poupées de mode ou des mannequins de vitrine. Au fil des 19e et 20e siècles, sur un mode ludique, ironique, érotique voire inquiétant, la figure du mannequin devient le sujet même de l’œuvre, comme pour mieux révéler les hantises du créateur.

Cette exposition ambitieuse explore l’histoire du mannequin dans l’art et dans les ateliers, à travers un parcours à la scénographie théâtrale : rares mannequins d’artiste du 18ème  siècle à nos jours, mannequins de vitrine de Siegel ou d’Imans, peintures de Gainsborough, Courbet, Burne-Jones, Kokoschka, Beeton, de Chirico, Annigoni, dessins de Salviati, de Millais, planches de l’Encyclopédie, brevets d’invention, photographies de Bellmer, Man Ray, List, Denise Bellon … Plus de 150 œuvres issues de collections publiques et privées, françaises et étrangères.

Coproduite avec le Fitzwilliam Museum  de Cambridge,  l’exposition s’accompagne d’un catalogue scientifique de référence de Jane Munro, commissaire de l’exposition.

Commissaires 
Jane Munro, conservateur des peintures et des dessins au Fitzwilliam Museum de Cambridge, commissaire invitée
Amélie Simier, conservateur en chef du Patrimoine, directrice  des musées Bourdelle et Zadkine
Jérôme Godeau, musée Bourdelle

Plus d’informations: http://www.bourdelle.paris.fr/fr/exposition/mannequins-dartiste-mannequins-fetiches#sthash.4UG0alAu.dpuf

Exposition “DANCE AND FASHION” The Museum at FIT, 13 septembre 2014 – 3 janvier 2015

Valentino, woman’s costume for Sophisticated Lady, Fall 2012, lent by New York City Ballet. Photograph © The Museum at FIT.

Présentation de l’exposition:

Dance & Fashion is a stunning exploration of the relationship between these two embodied art forms. Organized by the museum’s director, Dr. Valerie Steele, and set in a dramatic mise-en-scène created by architect Kim Ackert, the exhibition features nearly 100 dance costumes and dance-inspired fashions, ranging from the 19th century to the present, many of which have never been exhibited.

Dance & Fashion opens with a superb display of ballet costumes and related fashions from the 1830s and 1840s, the era of the Romantic ballet. A rare Spanish-style costume worn by the great ballerina, Fanny Elssler, is accompanied by fashions of the period. A costume by Christian Bérard for Symphonie Fantastique, along with a costume by Mme Karinska for Ballet Imperial, demonstrates the evolution of classic ballet costume, while a costume from Creole Giselle for the Dance Theater of Harlem evokes the continuing appeal of the Romantic ballet.

Christian Dior’s Black Swan ball gown epitomizes ballet’s influence on fashion design. Conversely, Marc Happel, costume director of New York City Ballet, has said that his costumes for Symphony in C were inspired by fashions designed by Dior and Balenciaga. The pointe shoes of famous dancers such as Anna Pavlova and Margot Fonteyn are juxtaposed with high-fashion styles by Christian Louboutin and Noritaka Tatehana that were inspired by ballet shoes.

The Orientalism of the Ballets Russes (1909-29) has also influenced generations of fashion designers, from Paul Poiret to Yves Saint Laurent. A costume fromSchéhérazade, 1910, designed by the artist Léon Bakst and recently acquired by The Museum at FIT, is the centerpiece in a display of extraordinary fashions and costumes, including a couture ensemble from Yves Saint Laurent’s 1976 Ballets Russes collection and an ensemble by Ungaro worn by Princess Caroline of Monaco. There are also costumes worn by dancers such as Rudolf Nureyev and Mikhail Baryshnikov.

Among the fashion designers who have created costumes for the ballet are Yves Saint Laurent and Riccardo Tischi of Givenchy (for the Paris Opera Ballet), Christian Lacroix, and Jean Paul Gaultier, plus Valantino Garavani, Prabal Gurung, Giles Mendel, Olivier Theyskens, Rodarte, and Iris Van Herpen, all of whom have created costumes for New York City Ballet.

For the modern dance section, the Martha Graham Dance Company has loaned noteworthy dresses, some designed and worn by Graham herself, and others the product of a close collaboration between Halston and Graham. Once adamantly opposed to ballet, modern dance choreographers have increasingly incorporated elements from ballet and other dance genres, resulting in new forms of modern and post-modern dance. Dance & Fashion includes several important African-Caribbean-inspired costumes from Katherine Dunham, a costume from José Limon’s Moor’s Pavane, and one from Alvin Ailey’s Revelations. Fashion designers featured who have created costumes for modern dance include Narciso Rodriguez for Morphoses, Francisco Costa for Elisa Monte, and Tara Subkoff for Stephen Petronio, among others. A highlight is a costume from Merce Cunningham’s Scenario designed by Rei Kawakubo of Comme des Garçons, juxtaposed with a CDG “bump” dress, which inspired the dance costume.

In addition to ballet and modern dance, there is a flamenco dress and a selection of flamenco-inspired dresses by designers such as Cristobal Balenciaga, Elsa Schiaparelli, Jeanne Paquin, Oscar de la Renta, and Ralph Lauren. Recently, Rick Owens was so inspired by African-American step dancers that they performed at his runway show in Paris. Examples of his designs are also included.

Also on view is art work by David Michelek featuring ballerina Wendy Whelan, and a series of 13 photographs and a video by acclaimed dance and fashion photographer Anne Deniau, also known as Ann Ray, in collaboration with performers from the Paris Opera Ballet.  In addition, there are selected dance videos, as well as videotaped interviews with Marc Happel, costume director of the New York City Ballet, and others.

Exposition “FASHION IS NOW”, Museum Boijmans Van Beuningen, jusqu’au 18 janvier 2015

The Future of Fashion is Now takes the visitor on a trip around the most innovative fashion from all over the world, with works by such designers as Viktor&Rolf (the Netherlands), Rejina Pyo (Korea) and Hussein Chalayan (Cyprus). The exhibition examines the critical stance that young fashion designers worldwide are adopting with regard to ‘the fashion system’ and the role of clothes in contemporary society. Designers with non-Western backgrounds and designers from countries bordering Europe, where until recently there was little or no tradition of fashion, are actively seeking to transform the fashion system. The selection, from clothes and accessories to videos and installations, can be seen in the museum’s 1500m2 gallery. Especially for this exhibition, six designers have created new work commissioned by the Han Nefkens Fashion on the Edge programme. The realization process of these six works can be followed on this website. The Future of Fashion is Now is the sequel to the successful exhibition The Art of Fashion staged in Rotterdam in 2009, also an initiative by Han Nefkens and fashion expert José Teunissen.

Informations: http://futureoffashion.nl/exhibition

Soutenance de thèse : « Écritures photographiques des identités collectives : classe, ethnicité, nation dans la photographie en Grande-Bretagne entre 1990 et 2010 »

Karine Chambefort soutiendra sa thèse intitulée : « Écritures photographiques des identités collectives : classe, ethnicité, nation dans la photographie en  Grande-Bretagne entre 1990 et 2010 »

 le vendredi 14 novembre 2014 à 14h, à l’Université Paris Est Créteil, site du CMC, salle des thèses (métro Créteil université – ligne 8).

 Devant un jury composé de :

 Mme Agnès Alexandre-Collier (Pr. Université de Bourgogne)

Mme Emmanuelle Avril (Pr. Paris 3)

Mme Renée Dickason (Pr. Rennes 2 – rapporteur)

M. Olivier Esteves (MCF- HDR Lille 3 – rapporteur)

M. Didier Lassalle (Pr. UPEC – directeur)

 Thèse en civilisation britannique, dans la lignée des cultural studies, qui met en relation les représentations et usages photographiques (livres, expositions, archives, photojournalisme, projets collaboratifs…) et la construction des identités collectives en Grande-Bretagne (classes sociales, ethnicité, anglicité, britannicité, multiculturalisme)

L’approche est interdisciplinaire, au croisement des études visuelles, de la sociologie de la culture, et de la politique.

Carnet de séminaire


Carnets de recherche